Marco
Nocca

Marco Nocca (Velletri, 1961), licenciado en Letras / Historia del Arte con Maurizio Calvesi, es profesor desde 2008 en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde imparte clases de Historia del Arte Antiguo y Museografía. Ganador de un concurso ordinario y docente desde 1995 en las Academias históricas (Milán, Nápoles), en la Universidad de la Tuscia de 2001 a 2009, se ha ocupado de la fortuna de lo Antiguo en el Renacimiento y en el Neoclasicismo, de la historia del coleccionismo, del arte de los siglos XIX y XX, y de la presencia extranjera en Italia en estos dos últimos siglos, publicando artículos científicos y monografías (lista completa en www.biblhertz.it, opac, ad vocem).
Comisario de exposiciones en museos públicos, ha recompuesto en exposición después de tres años de estudios La collezione Borgia (Nápoles, Museo Nazionale Archeologico, 2001, catálogo Electa en 2 vol.). Estudió la historia de las Academias y el modelo de enseñanza clásica en estas instituciones, reconstruyendo, para la reestructuración moderna (2007), la formación de la Gipsoteca de la Academia de Bellas Artes de Nápoles, encargada por Canova y Wicar. En 2010, curó para los Museos Vaticanos la nueva propuesta del Museo de Propaganda Fide en el palacio borrominiano de la plaza de España. Estudia a los artistas nórdicos en Italia a partir de la exposición Impressionisti Danesi in Abruzzo, Roma, Museo Andersen, 2014, redescubriendo y sistematizando la actividad de una notable colonia de escandinavos, activos entre Francia y el centro de Italia en Impressioni e realtà. Il sogno scandinavo da Barbizon a Civita d’Antino, catálogo científico de la colección de arte nórdico del Imago Museum de Pescara (Fondazione Pescarabruzzo, 2021). En 2017 publicó, con C. Di Bella, la colección de bustos de mármol del Senado de la República (Pantheon di Pietra. Uomini illustri nella collezione dei busti del Senato del Regno d’Italia, Roma, Gangemi).
Exposiciones más recientes a su cargo, todas con catálogo L’Erma di Bretschneider: L’Ombra e la Luce: Jean-Pierre Velly, Roma, Istituto Nazionale per la Grafica, 2016; La petite italienne: Juana Romani, (con Gabriele Romani), Roma, Academia de Bellas Artes, 2017; Felicità della Pittura: Edgardo Zauli Sajani da Forlì a Roma, Roma, ABA, 2019; Arte nell’Orto di Claudio Marini, Roma, ABA, 2021. Su última exposición, con préstamos del Statens Museum de Copenhague, es Elisa M. Boglino da Copenaghen a Roma, Pescara, Imago Museum, 2024 (cat. Fondazione Pescarabruzzo).

Curso académico 2024/2025 – Futuro del Clásico

Parte general
El curso, dirigido a los estudiantes del trienio, pretende proporcionar las primeras herramientas de método y los conocimientos básicos para el estudio de las expresiones artísticas de la civilización griega y romana, desde el siglo IX a. C. hasta el IV d. C. C. En particular, el programa de estudios se centra en la escultura y la pintura, abordando sus aspectos técnicos y las dinámicas históricas, socioeconómicas y culturales que caracterizan su evolución. Los estudiantes deberán conocer las terminologías arqueológicas e histórico-artísticas básicas y las periodizaciones del mundo grecorromano, para poder reconocer, describir y situar adecuadamente en el tiempo las obras, de las que se mostrará, en el transcurso de las clases, un número considerable de imágenes y complejos monumentales.
Textos de referencia: Flaminio Gualdoni, Arte classica, Skira, 2007 (también se puede utilizar otro manual, si el estudiante lo posee).

Profundización
Partiendo del análisis de Futuro del classico, el exitoso texto de Salvatore Settis, se investigará la forma en que el arte clásico se ha repetido cíclicamente en las diferentes épocas de la cultura occidental, haciendo especial hincapié en las ruinas de esa civilización, hacia las que se ha dirigido, a partir del Renacimiento (con la célebre carta de Rafael Sanzio a León X, 1519), por un impulso de protección y conservación, so pena de perder su identidad. Teniendo en cuenta las problemáticas relacionadas con la especialización de los estudiantes, se analizarán, a través de módulos individuales, temas como la policromía de la escultura antigua, la restauración de la estatuaria desde el Renacimiento hasta el siglo XVIII, el coleccionismo de antigüedades, las gipsotecas como repertorios de modelos y lo Antiguo en las Academias de Bellas Artes y en los museos.

S. Settis, Futuro del ‘classico’, Turín, Einaudi, 2004.
P. Liverani, I colori del bianco: mille anni di colore nella scultura antica, Museos Vaticanos, 2004.
A. Conti, Storia del restauro e della conservazione delle opere d’arte, Milán, Electa, 1988 (con especial atención a los capítulos sobre la restauración de la escultura antigua).
M. Nocca, «Nella creta la vita, nel marmo la Resurrezione: e nel gesso? La morte». Storia e futuro delle gipsoteche delle accademie di belle arti, en «Patrimoni da svelare…», actas del congreso de Nápoles 2013, editor de G. Cassese, Roma, Gangemi, 2015.

Curso académico 2024/2025 – La forma del Museo a lo largo del tiempo: del «studiolo» renacentista al museo de arte contemporáneo

El curso, dirigido a los estudiantes del trienio CVPAC, pretende ofrecer una revisión de las formas en que se ha organizado el impulso de reunir y coleccionar objetos que «se exponen a la mirada», según la conocida definición de Krisztof Pomian, pasando a un análisis histórico de las formas del museo, desde el siglo XVIII, principal contenedor organizado para la reunión y custodia de las obras de arte. Desde el «studiolo» renacentista, en el que el intelectual ordena, encarga y dispone para sí mismo obras que representan el «speculum mundi», pasando por la «wunderkammer» barroca y las sistematizaciones diecisietecentescas de las colecciones aristocráticas, se llega al punto de inflexión del nacimiento del museo público. El origen, precisamente en el siglo XVIII en Roma, de los Museos Capitolinos y del Pio-Clementino, pero sobre todo la inauguración del Louvre napoleónico, repleto de obras maestras fruto de las victoriosas campañas de guerra, abren el camino a la nueva idea ilustrada de museo abierto, máquina educativa para instruir al pueblo. Paralelamente, nace la noción de las obras de arte como «patrimonio público». El siglo XIX europeo prosigue la historia de esta institución, con la fundación de las grandes Galerías Nacionales y, al mismo tiempo, con la importancia que se da en Italia a las colecciones municipales. El siglo XX, con la crisis del Estado nacional y la explosiva historia de las vanguardias artísticas (es conocida la invocación futurista a la «destrucción del Museo»), revisará profundamente la concepción de esta institución, cuya forma se muestra en cada época como un fiel espejo de la sociedad que la expresa.

Textos obligatorios
Alessandra Mottola Molfino, Il libro dei musei, Turín, Umberto Allemandi e C., 1991.
Pomian, K., Collezione in Enciclopedia, III, Giulio Einaudi Editore, Turín, 1978.
Ferretti, M., La forma del museo, en «Capire l’Italia: i musei», editado por A. Emiliani, Milán, Touring Club Italiano, 1980, pp. 46-79
Profundización de las visitas educativas:
Collezioni di scultura antica, Palazzo Altemps (guía Electa).
Il museo d’antichità: I musei Capitolini (guía Electa).
Ferraris, P. R., Il Museo Mario Praz, Sacs edizioni, 1996.

Textos recomendados
Pevsner, N., I musei, Roma, 1985.
Clair, J., La crisi dei musei-la globalizzazione della cultura, Skira, 2006.
Clair, J., L’inverno della cultura, Skira, 2011.
Colombo, M., I Musei – I grandi temi dell’architettura, Hachette, 2015.
Associazione Nazionale Musei Italiani, Museo perché Museo come, De Luca editore.