Academia de Bellas Artes de Roma
Plan de estudios A: Herramientas, métodos y nuevas tecnologías para la producción artística
Federico Stolfi
Los Foros Imperiales en la actualidad
Perspectivas y estrategias de puesta en valor de la zona arqueológica central de Roma
El proyecto de investigación aborda la relación entre lo antiguo y lo contemporáneo en el área arqueológica central de Roma, tomando los Foros Imperiales como caso de estudio privilegiado. Partiendo de una reconstrucción histórica de las transformaciones urbanísticas y simbólicas de la zona, la investigación explora tres ejes interconectados: el diálogo entre las artes visuales y los contextos monumentales, las nuevas tecnologías y el disfrute del patrimonio cultural, y las prácticas de comunicación para acortar la distancia entre la ciudadanía y el patrimonio, estimulando procesos de reapropiación. La metodología combina el análisis de las fuentes y la investigación de campo, con especial atención a la compatibilidad curatorial, a la sostenibilidad y a la inclusión del público. El resultado esperado de la investigación es la definición de una propuesta operativa: una estrategia integrada y aplicable que combine la protección, la creatividad artística y la participación para devolver a los Foros —y, por extensión, a todo el Centro Arqueológico Monumental— una centralidad cívica también en la Roma actual.
Federico Stolfi nació en 1995 en Roma. Se licenció con matrícula de honor en Historia, Antropología, Religiones y Ciencias Históricas en la Universidad de Roma «La Sapienza», donde también cursó un Máster de segundo ciclo en Derecho y Nuevas Tecnologías para la Protección y la Puesta en Valor del Patrimonio Cultural. Desde 2021 trabaja en el Departamento de Cultura de Roma Capital, donde colabora con las instituciones culturales de la ciudad en el desarrollo de numerosos proyectos que van desde eventos hasta inversiones permanentes, tanto en el centro histórico como en contextos periféricos. Entre ellos se encuentran el proyecto CArMe, diversas actividades del Verano Romano, la regeneración de espacios públicos abandonados (Arco di Travertino, Fornace Veschi y otras intervenciones) e iniciativas de puesta en valor del patrimonio cultural.
Además, ha ideado el proyecto de la Red de Salas de Estudio de Roma, supervisando su puesta en marcha con la apertura de nuevos espacios de lectura pública de acceso libre en la ciudad y en contextos museísticos, entre ellos el Museo de Roma, el Palazzo delle Esposizioni, el MACRO, la Casina del Salvi en el Parque Arqueológico del Celio, el Mattatoio, etc. La experiencia profesional adquirida en el Ayuntamiento de Roma constituye la base sobre la que se sustenta el proyecto de investigación dedicado a la zona arqueológica central de Roma.
Margherita Caselli
Colectivos de artistas madres y prácticas de visibilidad en el sistema artístico contemporáneo europeo
El proyecto analiza la condición de la maternidad en el sistema del arte contemporáneo europeo, centrándose en los procesos de agregación de las artistas madres en colectivos artísticos. La investigación analiza los colectivos surgidos en los últimos diez años en distintos países europeos y estudia cómo utilizan manifiestos, sitios web, archivos digitales y plataformas sociales para denunciar la discriminación sistémica y promover modelos más inclusivos. A través de un enfoque interdisciplinar que integra el análisis cualitativo de los contenidos, las entrevistas y las herramientas de las humanidades digitales, el estudio pretende evaluar el impacto de estas prácticas en la percepción pública e institucional de la maternidad en el ámbito artístico. El proyecto también prevé la creación de un archivo digital abierto, destinado a recopilar y poner en valor testimonios y materiales, favoreciendo la memoria, la accesibilidad y el reconocimiento compartido.
Margherita Caselli (Ferrara, 1999) es comisaria, investigadora y mediadora museística. Estudió Patrimonio Cultural en la Universidad de Padua e Historia de las Artes y Conservación del Patrimonio Artístico –plan de estudios contemporáneo– en la Universidad Ca’ Foscari de Venecia, con un periodo de estudios en la Universidad Carolina de Praga. Ha trabajado como asistente en la DSC Gallery (Praga) y ha colaborado con Ferrara Arte y Zuecca Projects (Venecia). Ha cursado el curso NICE para comisarios en Turín, donde ganó en 2024 el premio «Nice and Fair» a la mejor comisaria del curso. Colabora con exibart y ATP Diary. Desde 2024 colabora con la empresa social Arteco como mediadora museística en varios museos de Turín. Desde 2025 coordina el grupo Antro – Artes Visuales para la comisariado de exposiciones y proyectos expositivos dentro de ANTRO, un espacio cultural de Turín.
Matteo Mazzonetto
Del boceto al monumento: la escultura pública en Roma en el siglo XIX.
Un atlas digital entre el arte, la arquitectura y el espacio cívico.
El proyecto explora la escultura pública en Roma entre 1825 y 1925, un periodo de transformaciones históricas y urbanas decisivas. A través del análisis de monumentos, bocetos y maquetas, la investigación reconstruye los encargos, las prácticas artísticas y los significados cívicos de las obras estudiadas. La investigación integra métodos histórico-artísticos, filología del dibujo y herramientas digitales avanzadas (SIG, modelado 3D, realidad aumentada) para reconstruir la relación entre las obras y el contexto urbano. La iniciativa pretende poner en valor a artistas y artesanos menos conocidos que trabajaron en Roma entre los siglos XIX y XX, replanteando la escultura pública como herramienta de construcción de la identidad y de diálogo urbano.
Matteo Mazzonetto (Treviso, 2000) es estudiante de doctorado de investigación en Culturas, prácticas y comunicación de las artes visuales (41.º ciclo) en la Academia de Bellas Artes de Roma y estudiante de especialización en la Escuela de Especialización en Bienes Histórico-Artísticos de la Universidad de Roma La Sapienza. Obtuvo la licenciatura de tres años en Conservación y Gestión del Patrimonio Cultural, en la especialidad de Historia del Arte, por la Universidad Ca’ Foscari de Venecia (2022) y el máster en Historia del Arte por la Sapienza (2024), ambos con matrícula de honor. Sus actividades de investigación se centran en la pintura y la escultura de los siglos XIX y XX, con especial atención a la museología del siglo XIX, a la formación de colecciones y a las prácticas de catalogación y puesta en valor del patrimonio cultural. Ha establecido y mantiene colaboraciones científicas con importantes instituciones museísticas, como los Museos Vaticanos, el Museo de Roma Palazzo Braschi y los Museos Municipales de Roma, Venecia y Treviso, contribuyendo a proyectos de investigación, catalogación y exposición.
Nikla Cetra
Entre arte y moda: identidad, cultura e innovación.
El «fashion curating» como dispositivo cultural en Italia.
El proyecto propuesto tiene como objetivo explorar el «fashion curating» en Italia, analizando la compleja transición del simple producto de moda a objeto artístico y fenomenológico, con la intención de superar la visión del atuendo como pieza estática. A pesar del dinamismo que se observa en torno al tema, el panorama italiano parece fragmentado, a menudo confinado a la celebración casi arqueológica de la artesanía o de los símbolos más consolidados del «Made in Italy».
A través del análisis de casos prácticos de excelencia, investigaciones y entrevistas, la propuesta pretende definir un nuevo sistema curatorial específico, multidisciplinar y generalizado. El objetivo es crear una red nacional capaz de conectar el patrimonio histórico con las investigaciones contemporáneas, elevando la moda a dispositivo crítico y sinestésico del «zeitgeist».
Nikla Cetra (Campobasso, 1993) – Doctoranda en la Academia de Bellas Artes de Roma.
Su formación comenzó en la Academia de Bellas Artes de Macerata, donde cursó los tres años de Diseño de Moda. Posteriormente, obtuvo el Diploma de Segundo Ciclo en la Academia de Bellas Artes de Roma en Culturas y Tecnologías de la Moda (2022). Durante sus estudios, exploró el profundo vínculo entre el arte y la moda, participando activamente en eventos y exposiciones, lo que le permitió consolidar un perfil polifacético capaz de combinar el diseño creativo y el análisis crítico.
Recientemente ha trabajado en la comunicación de moda y en la docencia, ocupando el cargo de profesora de Concepción y Diseño para la Moda. Paralelamente, trabaja como diseñadora de moda «freelance», con especial atención a la joyería contemporánea y a la creación de colecciones para marcas de nicho, incluida su reciente colaboración con Saturnino Eyewear. Un recorrido que explora la moda como fenómeno cultural y artístico.
Plan de estudios B: Herramientas, métodos y nuevas tecnologías para la comunicación de las artes visuales
Başak Tuna
Esta investigación basada en la práctica explora las contribuciones ocultas de las artesanas dentro de la historia cultural compartida entre Italia y Turquía. Partiendo de la pregunta «¿Qué tipo de historia puede contar un objeto?», el proyecto utiliza el desmantelamiento y la reelaboración de los materiales para construir un contraarchivo de objetos especulativos. De este modo, el hacer se convierte en una forma de narración, al revelar historias marginadas y su relevancia en nuestro contexto contemporáneo.
Eng: This practice-based research explores the hidden contributions of craftswomen within the shared cultural history of Italy and Turkey. Starting from the question what kind of story can an object tell?, it uses dismantling and reworking of materials to create a counter-archive of speculative objects. Making becomes a form of storytelling, revealing marginalized histories and their relevance to our contemporary context.
Başak Tuna (n. 1992, Bursa, Turquía) es una diseñadora y artista interdisciplinar afincada en Roma.
Con formación en diseño industrial y un Máster en Contextual Design en la Design Academy Eindhoven, su práctica combina el diseño espacial, la investigación de materiales y un enfoque práctico. Explora cómo los materiales cotidianos —a menudo objetos encontrados— pueden reinventarse para revelar nuevas narrativas y dar forma a las relaciones entre los seres humanos y el entorno.
Eng: Başak Tuna (n. 1992, Bursa, Turquía) es una diseñadora y artista interdisciplinar afincada en Roma. Con formación en diseño industrial y un máster en Diseño Contextual por la Design Academy Eindhoven, su práctica combina el diseño espacial, la investigación de materiales y un enfoque práctico. Explora cómo los materiales cotidianos, a menudo objetos encontrados, pueden reinventarse para revelar nuevas narrativas y dar forma a las relaciones entre los seres humanos y el entorno.
Eva Sauer
Shaping the Future of Art
El resultado final de mi investigación será una película. La investigación es un estudio sobre los efectos de la introducción de las llamadas inteligencias artificiales en diversos ámbitos y, sobre todo, en el de las artes visuales, y se llevará a cabo mediante entrevistas y diálogos con personas destacadas, procedentes de distintos ámbitos, o con personas que se hayan distinguido por un punto de vista original.
Se abordarán múltiples temáticas. La codificación de la realidad: el hombre y el lenguaje. La necesidad humana de describir y comprender el mundo. Desde el lenguaje oral-relacional y el lenguaje escrito (el signo) hasta el lenguaje artístico como expresión de la propia percepción de la realidad. Por último, la llegada del lenguaje computacional. Las herramientas computacionales respaldan la formalización explícita de las categorías lingüísticas y la exploración empírica (estadística), mientras que la teoría lingüística y la intuición humana guían el diseño de ontologías y sistemas. ¿Qué posibilidades creativas conlleva este cambio de época y a qué coste? (extractivismo material, apropiación intelectual, carrera armamentística «inteligente»).
Eva Sauer nació en 1973 y vive y trabaja entre Düsseldorf y Florencia.
Cofundadora y miembro del colectivo artístico FAMA (Four Artists for a Metastable Art, activo desde 2016) y del colectivo curatorial IMBOSCATA (activo desde 2022).
Ha participado en numerosos proyectos, tanto individualmente como en colaboración con otros artistas, con exposiciones colectivas e individuales en instituciones y espacios de investigación, entre los que cabe destacar Palazzo Poggi, Bolonia; Villa Romana, Florencia; L’Ilot Sauvage, Niort; Die Grosse – Museum Kunst Palast NRW, Düsseldorf; Centro Arti Visive Pietrasanta; Museo Arte Contemporanea e Novecento, Monsummano; La Deviation, Marsella; MOM Art Space, Hamburgo; Museo GAMC de Viareggio; Villa Bertelli, Forte dei Marmi; Villa La Magia en Quarrata, Italia; Palazzo delle Esposizioni y Palazzo Valentini en Roma, L’Entrepot Gallery, Mónaco; y ha participado en la iniciativa artística Senseo Ding Dong! en Hamburgo, en la III Trienal Internacional de Artes Gráficas Contemporáneas de Novosibirsk, Rusia, en la Bienal de Arte Contemporáneo de Tashkent, Tashkent, en la Trienal ULUS de Medios Extendidos de Belgrado y en la Bienal de Arquitectura de Venecia (con Avatar Architettura).
Fabrizio Sartori
Una cierta idea de paisaje. Prácticas híbridas de representación de lugares. The Land-ship attitude.
El proyecto aborda el tema del paisaje entre la pintura, la tecnología y las relaciones comunitarias.
¿De qué hablamos cuando hablamos de paisaje hoy en día? ¿De qué manera las nuevas vistas del paisaje, en particular las que proponen las realidades virtuales, modifican nuestra relación con el mundo que nos rodea? Si lo que se crea a través de las nuevas tecnologías corresponde a la idea contemporánea de paisaje, entonces es necesario abordar la contradicción que subyace al desarrollo tecnológico: por un lado, la inmersión en mundos virtuales con sus características estéticas específicas y, por otro, la explotación y la destrucción de lugares y comunidades a través de esos procesos de extracción de materias primas que garantizan el propio desarrollo tecnológico.
A partir de los casos prácticos de los 12 geoparques de la Unesco presentes en Italia, donde la actividad de las antiguas minas o de los emplazamientos extractivos ha sido sustituida por la promoción de un turismo lento y ecológico que también aborda la historia de los lugares y las relaciones con el territorio, me propongo analizar la crisis de nuestra idea de paisaje a través de un enfoque artístico multidisciplinar que intente conciliar la materia, los mundos digitales y la persona.
Fabrizio Sartori es un artista visual. Nació en Roma, donde estudió arquitectura y pintura. En 2010 se licenció en Venecia en el IUAV – Artes Visuales y ese mismo año participó en el Programa Superior de Artes Visuales de la Fundación Antonio Ratti de Como, con el profesor invitado Hans Haacke.
Ha expuesto su trabajo en diversos contextos, en Italia y en el extranjero, entre otros: la Fundación Bevilacqua la Masa, Viafarini DOCVA, la Fundación Pastificio Cerere, el Stedelijk Museum de ‘s-Hertogenbosch en los Países Bajos y la Porte des Allemands de Metz, en Francia. En 2020 participó en la exposición en línea «Taci. Anzi, parla. Io dico io» para la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma.
Ha colaborado con instituciones públicas y privadas, como escuelas, hospitales psiquiátricos y cárceles. Se dedica a la pintura y a las nuevas tecnologías, organiza talleres en grupo y «performances», y cuida de un jardín junto al lago de Bolsena.
Marco Eusepi
La estética del fragmento: prácticas pictóricas y perspectivas interdisciplinares es un proyecto de investigación basado en la práctica destinado a la producción de una serie de obras y proyectos expositivos a partir del estudio del fragmento entendido como dispositivo procesual, estético y poético. Este recorrido pretende argumentar una posible «estética de la fragmentariedad» a partir de la relación entre el lenguaje pictórico y la experiencia visual procedente de otros medios y dispositivos, combinando esta reflexión con una investigación teórica interdisciplinar que abarca, entre otros, los ámbitos de la filosofía, la literatura y los nuevos medios.
Marco Eusepi (Anzio, 1991) es un artista visual afincado en Roma. Sus obras se han expuesto, entre otros lugares, en: Litografia Bulla, Roma; Museo d’Arte Contemporanea Lissone; Albert Van Dyck Museum, Schilde, Amberes; Palazzo Trigona di Canicarao, Noto (comisario: Pier Paolo Pancotto); Tang Contemporary Art, Hong Kong; Fondazione Pastificio Cerere, Roma; Galleria Batagianni, Atenas (comisariada por Panos Giannikopoulos). Fue cofundador del espacio gestionado por artistas SPAZIOMENSA (2020-2021). En 2023 fue ganador del Premio Lissone, categoría Nuevas Visiones. Está representado por la galería ADA Project, Roma.
Marianna Panagiotoudi
Necrovisiones. Prácticas contravisuales en el arte contemporáneo analiza la intersección entre necropolítica, visualidad y prácticas artísticas contemporáneas, asumiendo la imagen no como una superficie neutra de representación, sino como un campo gnoseológico y crítico en el que se producen, se legitiman y se cuestionan las relaciones de poder. La investigación parte de la hipótesis de que los regímenes necropolíticos operan no solo a través de formas materiales de violencia, exclusión y control, sino también mediante dispositivos visuales que establecen las condiciones de aparición, reconocimiento o eliminación de cuerpos, vidas y memorias del espacio público. Por tanto, el proyecto investiga cómo el arte contemporáneo puede intervenir críticamente en estos regímenes de visibilidad, elaborando prácticas contravisuales capaces de interrumpir las modalidades dominantes de la mirada. En esta perspectiva, la pintura, el archivo, la instalación, la «performance», el vídeo y los medios digitales se consideran dispositivos de conocimiento a través de los cuales analizar las formas de visibilización, ocultación, estetización y reelaboración crítica de la violencia, la vulnerabilidad, la muerte, la memoria y la supervivencia.
Marianna Panagiotoudi (Atenas, 1988) es una artista visual que vive y trabaja en Roma. Se licenció en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Ioánina, en Grecia, y obtuvo los diplomas académicos de primer y segundo ciclo en Pintura por la Academia de Bellas Artes de Roma. Su investigación se desarrolla a través de la pintura, el grabado, la instalación, las prácticas de archivo y los medios digitales, y cuestiona las relaciones entre la memoria, la vulnerabilidad, la materialidad de la imagen y los regímenes de visibilidad. Su trabajo investiga la imagen como espacio de sedimentación, tensión y conocimiento, en el que las huellas individuales y colectivas entran en relación con formas de presencia, ausencia y supresión. Sus obras se han expuesto en Italia, Grecia, Alemania y Bélgica.
Riccardo Ajossa
El Camino del Papel. El papel siempre ha sido uno de los principales vehículos de difusión de la cultura, ya que acelera su transmisión a través de la palabra y el dibujo.
Los archivos en papel siguen conservando su integridad hoy en día y dan testimonio del papel fundamental que este material ha desempeñado en la historia del conocimiento.
Esta investigación pretende celebrar la producción del papel recorriendo las etapas fundamentales de su evolución histórica y actualizando su significado en el contexto artístico contemporáneo, dirigiéndose en particular a los artistas y a las necesidades expresivas relacionadas con él.
«La Ruta del Papel» aborda el tema de la producción de papel de fibra vegetal oriental realizado en las fábricas de papel japonesas y coreanas contemporáneas. El proyecto invita a los artistas a observar y comprender la antigua metodología de elaboración, con el fin de redescubrir el significado profundo del gesto creativo y su vínculo con la evolución de los instrumentos y las prácticas artísticas.
Por lo tanto, la investigación sitúa a los artistas en el centro del proceso, estimulándolos a desarrollar una mayor conciencia crítica a la hora de elegir el papel en relación con sus necesidades expresivas, a través del conocimiento de los métodos de producción.
La extraordinaria versatilidad del papel de fibra natural y su capacidad para conservarse a lo largo del tiempo ponen de manifiesto la necesidad de una mayor difusión e integración de estos materiales en la práctica artística occidental. De hecho, aún hoy el conocimiento y el uso de estos papeles son limitados entre muchos artistas, y algunos problemas relacionados con esta escasa familiaridad ponen de manifiesto la reducida durabilidad a lo largo del tiempo de numerosas obras realizadas sobre soportes de papel occidentales.
Por lo tanto, resulta fundamental prevenir el deterioro de las obras mediante una elección consciente del soporte, incluso antes de iniciar el proceso artístico.
El método de producción de las fábricas de papel japonesas y coreanas también pone de relieve la profunda relación entre el papel y la naturaleza. Según la tradición, la intuición original de la producción del papel surgió de la observación de fibras vegetales entrelazadas depositadas en el fondo de una cuenca seca.
Este principio se desarrolla aún más en la investigación mediante el uso de pigmentos naturales empleados para realizar pruebas de resistencia en los papeles seleccionados. El objetivo es elaborar una amplia documentación experimental que, en su conjunto, constituya la obra de referencia de todo el proyecto de investigación.
Riccardo Ajossa. Artista del «land art» y profesor titular de Tecnologías del Papel en la Academia de Bellas Artes de Roma, ha dedicado su carrera artística al estudio y a la enseñanza de la producción de papel de fibra natural. Ha comisariado siete ediciones de la exposición «Hanji Paper» en el Instituto Cultural Coreano de Roma, en colaboración con el Gobierno coreano, que en 2024 le concedió la Mención de Honor del Ministerio de Cultura. En 2011 comisarió el acto de clausura de la Bienal de Venecia «Segni d’Acqua», instalando una fábrica de papel tradicional en la sede de Ca’ Giustinian; el vídeo documental del evento fue producido por la Fundación Bienal de Venecia. Actualmente lleva a cabo actividades de investigación en Japón con el apoyo de la Embajada de Japón en Roma. Ha expuesto a escala internacional gracias a las galerías que lo representan.
Sus obras en papel y pigmentos naturales están presentes en las colecciones de la Fundación Brescia Musei (Fundación Carme), del Consejo Pontificio para la Cultura (Vaticano), del Museo Benaki de Atenas, de la colección de la Bienal de São Paulo (Brasil), del Museo Blotti de Roma, de la Fundación del Mediterráneo de Milán, de la colección de la Embajada de Italia en Doha (Catar) y del Archivo de Vídeos de la Bienal de Venecia.