Dentro del curso de Fenomenología de las Artes Contemporáneas, el taller Cuerpo presente se encomendará a uno de los autores más importantes de la escena coreográfica (autor, bailarín y «performer»), Marco Mazzoni, cofundador del grupo Kinkaleri de Florencia, para experimentar y desarrollar una didáctica adecuada junto con los estudiantes. El encuentro/taller parte de algunas «performances» para recorrer, a través de la palabra y el movimiento, algunos núcleos fundamentales del trabajo del grupo: cuerpo, síntesis y lenguaje. Temáticas que dan forma a prácticas capaces de cuestionar la visión y abrir nuevos imaginarios. Kinkaleri es un colectivo artístico nacido a finales de los años 90, activo en el ámbito de la danza, la «performance» y las artes visuales, cuya obra se caracteriza por una estética esencial y radical, ya que en el centro de la investigación de Kinkaleri se encuentra la relación entre el cuerpo y el lenguaje.

Entre sus producciones más importantes se encuentran: Doom (1996), OTTO (2002/2003), WEST (2003-2006), I Cenci/Spettacolo (2004), Nerone (2006), Yes Sir! (2008), Nessun Dorma (2009-2010), All! (2012-2017), No Title Yet (2017), OTTO (2003/2018), INFERNO (2021), OtellO (2021), HellO° (2022/23), AcrossKissKissYou (2024), IO DANZO IO PARLO (2025), Some Dances on Dickfaces (2026). En 2002, la compañía recibió el PREMIO LO STRANIERO Apuestas de futuro y, también en 2002, el PREMIO UBU por OTTO como mejor espectáculo de teatro/danza del año.

Fenomenología y método para la hiperconectividad contemporánea.

Taller del dúo LU.PA en el marco del curso «Técnicas escénicas para las artes visuales» de la prof.ª Elena Bellantoni.

¿Cómo dar cuerpo visible a los continuos estímulos externos que nos atraviesan en nuestro día a día?
¿Qué impacto tiene una llamada telefónica repentina en la relación con el entorno, con la propia presencia corporal y con el otro?
La luz de una pantalla llama la atención. ¿Se sustrae esta a la necesaria para estar en el aquí y ahora? ¿O potencia habilidades humanas hasta ahora ocultas?

El taller de LU.PA analiza la condición de hiperconexión contemporánea y la utiliza como herramienta para crear una coreografía coral con los estudiantes.
El método explorado durante las diferentes clases se basará en ejercicios desarrollados por el dúo durante la creación de la performance «Iperconnesse», mientras que el resultado final del recorrido dará lugar a una obra performativa inédita.

El taller sirve para una actuación del dúo Lupa con los estudiantes del Departamento de Artes Multimedia para el proyecto Costellazione Boario, que se presentará en el Roma Europa Festival el 24 de octubre de 2026.

El taller, propuesto para el curso académico 2025/2026 y organizado por el profesor Fabio Dell’Aversana, tiene como objetivo proporcionar a los estudiantes herramientas concretas para comprender y abordar las transformaciones de los procesos de creación, producción y difusión de las obras artísticas y los contenidos visuales.

El taller ofrece un itinerario formativo articulado en una primera fase teórica y una segunda fase de naturaleza práctico-laboral: la primera tiene como objetivo abordar los principales aspectos jurídicos relacionados con el uso de la inteligencia artificial en los procesos creativos, mientras que la segunda prevé actividades de aplicación y análisis de casos prácticos, con el fin de transmitir a los estudiantes un enfoque crítico y consciente.

Calendario de los encuentros:
Jueves, 14/05/2026: 10:00-15:00
Lunes 18/05/2026: 10:00-13:30 / 14:00-19:00
Lunes 25/05/2026: 10:00-13:30 / 14:00-19:00
Jueves, 11/06/2026: 10:00-16:00

Ponentes:

• Tommaso Zanello (artísticamente «Piotta») – Artista y delegado de Nuovo IMAIE;
• Renato Tanchis – Director de Catálogo y Marketing Estratégico de WARNER MUSIC ITALY;
• Francesco Marchese – Experto en derechos de autor en la industria musical y director de sello discográfico;
• Silvio Pascucci – Asesor jurídico en el ámbito de la AFAM;
• Simona Caramia – Responsable científica del «Performing Festival» de la Academia de Bellas Artes de Catanzaro;
• Angelisa Castronovo – Experta en Derecho cinematográfico;
• Errico Formichella – Experto en Proyectos Culturales;
• Manuel Fabozzo – Experto en asociaciones y entidades del tercer sector;
• Pietro Graziano – Experto en Digitalización del Patrimonio Cultural.

Profesionalidad y artesanía.
La comedia del arte, desde el tallado de la máscara hasta la definición dramatúrgica de los personajes

Es un proyecto institucional de la Academia de Bellas Artes de Roma – BIP (Blended Intensive Programme) ERASMUS + ideado y dirigido por Marcello Gallucci, con CLAUDIA CONTIN ARLECCHINO y LUCA FANTINUTTI, con la colaboración amistosa e imprescindible de los profesores Alessandro Zicoschi, Emanuela Trixie Zitkowski y Claudia Federici, y la sonriente complicidad de los profesores Fakiye Özsoysal y Metin Balay.

Participan:
Academia de Bellas Artes de Frosinone
Universidad Yeditepe de Estambul, Turquía
ESAD de Sevilla, España
EDI de Murcia, España

 

El subtítulo del taller pretende llamar la atención sobre un proceso interno, aunque a menudo descuidado, de la Commedia dell’Arte en todas sus acepciones. Desde la primitiva asociación y organización para la producción de espectáculos, pasando por el inicio de la residencia permanente en la época dorada del París de Riccoboni, hasta el declive decimonónico, los cómicos combinaban la extraordinaria pericia de su arte escénico y la calidad excepcional de la dramaturgia «a la improvisada» que caracterizaba al género con la capacidad de organizarse por su cuenta, creando por sí mismos todos los elementos materiales necesarios para su actuación. Si una conmovedora y aún reciente fantasía cinematográfica (El viaje del capitán Fracasa, de Ettore Scola, 1990) nos ha devuelto la imagen precisa hasta el último detalle de lo que probablemente era la «casa itinerante» de los cómicos, y se define con cada vez mayor precisión la elaboración del vestuario de los personajes principales, la «máscara» sigue siendo, en esencia, una historia aparte y difícil de investigar; en su mayor parte, los problemas relacionados se resuelven invocando una pretenciosa «colaboración» entre actores y «mascareros» profesionales, para justificar la evolución de las máscaras y la precisión de las tipologías.

Sin embargo, esta acepción tiene un límite de aplicación objetivo: si bien es cierto que el gremio de los «maschereri» estaba activo en Venecia ya en 1436, especializado en la producción de máscaras para espectáculos cortesanos y para el carnaval, la realización de una «máscara» para un actor profesional es un hecho tan personal que no puede delegarse en absoluto a otros. Es como decir que un actor, con la máscara, pone su rostro…
CLAUDIA CONTIN ARLECCHINO y LUCA FANTINUTTI han reconstruido en su proyecto analítico del espectáculo de la Arte las modalidades de elaboración y realización de las máscaras tradicionales, cuestionando no solo el universo simbólico de los arquetipos, sino que, con una profundidad de análisis que abarca tanto el teatro oriental como el occidental, han identificado las constantes y los ajustes de las líneas expresivas, cuya evolución (en el sentido de quien escribe) dirige y condiciona las evoluciones del género y de la dramaturgia correspondiente.
Junto con CLAUDIA CONTIN ARLECCHINO y LUCA FANTINUTTI, un intérprete excepcional de la gran artesanía teatral y cinematográfica, EZIO FLAMMIA, nos permitirá investigar las nuevas posibilidades de restitución que ofrece una tecnología antigua, pero que él ha revisado con la precisión de un protagonista del arte contemporáneo.
Durante el taller, Claudia Contin Arlecchino presentará la nueva edición del Monólogo de Arlequín, el espectáculo que ya hace treinta y cinco años la aclamó como la nueva encarnación de la máscara, consagrándola al éxito en Europa, América y Asia.

 

Horario

GIORNO	ORA	LUOGO	INFO
Lunedì 4	ore 10	Aula Magna dell’Accademia, Via di Ripetta 222	Ricevimento studenti stranieri e procedure di registrazione al workshop
	ore 11		Prof. Alessandro Zicoschi, Responsabile Erasmus ABAROMA – indirizzo di saluto e introduzione ai lavori. M° Ezio Flammia (artista e ricercatore, Roma): “La Maschera: il vero volto dell’Uomo”. Prof. Gennaro Vallifuoco(Scenografia, ABA Napoli): “La Maschera tra origini rituali, teatro e iconografie”. Prof.ssa Beatriz Prior, ESAD Sevilla: “Habitar la máscara. El cuerpo frente al espejo”. Prof.ssa Dalma Frascarelli, ABAROMA: “La storia senza eroi: la pittura di bambocciata e la Commedia dell'Arte”. Prof. Marcello Gallucci, ABAROMA: "A dir sempre di sì…”.
Martedì 5	ore 10 - 13	Sede di Campo Boario Largo Dino Frisullo	Avvio del workshop di Claudia Contin Arlecchino: 1) fisiognomica delle maschere, elementi di disegno e progettazione grottesca delle maschere.
	ore 13 – 14,30		PAUSA PRANZO
	ore 14,30 – 17,30		Workshop 2) analisi del movimento grottesco del corpo sotto maschera; principi della lavorazione del legno e del cuoio.
	ore 17,30	Campo Boario	Il caffè dell’Arte. Incontro studenti e docenti sui temi del workshop.
Mercoledì 6	ore 15	Forum Theatre, Piazza Euclide 34	IL MONDOLOGO DI ARLECCHINO A 35 anni dalla prima edizione, Claudia Contin Arlecchino ripropone, aggiornato, lo spettacolo che l’ha resa celebre nel mondo.
	A SEGUIRE		Il Mondologo di Arlecchino. Presentazione del libro a cura di Marcello Gallucci
Giovedì 7	ore 10-13	Campo Boario	Workshop 3) dimostrazione di battitura del cuoio bagnato su matrici lignee di Porto Arlecchino e finitura (incollaggi, tagli e messe a misura) su pre-lavorati in cuoio forniti da Porto Arlecchino.
	ore 13 – 14,30		PAUSA PRANZO
	ore 14,30 – 17,30		Workshop 4) dipintura maschere in cuoio e applicazione elastici ed accessori.
	ore 17,30		Il caffè dell’Arte
Venerdì 8	ore 10 – 13	Campo Boario	Workshop 4) prove pratiche delle maschere con gli allievi, elementi di uso della maschera, colpi di maschera, comportamento caratteriale delle maschere.
	ore 13 – 14,30		PAUSA PRANZO
	ore 15	Campo Boario	Dimostrazione di lavoro pubblica sull'uso delle Maschere a cura di Claudia Contin Arlecchino, dal manuale Gli Abitanti di Arlecchinia, musiche di Luca Fantinutti.
	ore 17		Conclusioni e saluti

 

Teniendo en cuenta el carácter eminentemente práctico del taller, y con el fin de garantizar al máximo el proceso de aprendizaje del martilleo y del uso de las máscaras, la participación activa en las fases de trabajo artesanal será de 15 estudiantes, mientras que otros tantos podrán participar como modelos o en las partes «físicas» del proceso.
Todos los demás estudiantes podrán inscribirse como observadores.
Nota: La certificación de los créditos solo se expedirá al final del taller, siempre que se haya asistido a todas las jornadas. No se tendrán en cuenta las asistencias parciales.

The Blind Automatic Drawing Project A.A. 2026

El taller sobre «dibujo a ciegas y automático» forma parte de las actividades del Programa de Escultura a cargo de la profesora Alessandra Maria Porfidia. La práctica del «blind drawing» se configura con referencias específicas, en las diferentes sesiones de trabajo, que caracterizan su valor metodológico personal, desarrollado por el artista Christoph Maria Loos.

Porfidia y Loos llevaron la experiencia a las Academias de Brera, Florencia y Roma. Se trata de un trabajo de investigación, propuesto en tándem, que ha dado resultados muy importantes. Este año, el profesor Christoph Maria Loos estará presente en ABAROMA con el reconocimiento de profesor extraordinario para investigar este proceso creativo estratégico, basado en la suspensión voluntaria de la vista y en la centralidad de la mirada interior.

En el seminario concreto, Loos ha titulado la práctica «Metafísica pobre».

El proceso pretende desestabilizar las formas tradicionales de creación artística para abrir el sujeto a nuevas formas de percepción y generación de la imagen. Estructurado de forma intensiva, el taller introduce a los estudiantes en un enfoque experiencial que combina la práctica y la reflexión teórica sobre la percepción, la creación y la metamorfosis de la imagen. La contribución ya se ha enriquecido en el pasado con momentos didácticos de intercambio y reflexión con otros profesores.

Esta invitación se renueva también este año, ya que supone una valiosa contribución al seminario para el desarrollo analítico del trabajo con profundizaciones teóricas fundamentales en la práctica creativa. En particular, el programa se centra en conceptos fundamentales de la práctica artística como la intuición, la imaginación y la inspiración, ampliando el marco estético de referencia.

A través de momentos de debate y «brainstorming», los estudiantes elaboran resultados individuales que posteriormente se abordan con un itinerario analítico de lectura y selección. La documentación de archivo y los dibujos más significativos deberían presentarse en una futura exposición y reunirse en una publicación, concebida como una restitución crítica y visual del recorrido realizado.

Aula 7 Campo Boario: lunes 27 y martes 28 de abril de 9:00 a 17:00. Miércoles, 29 de abril, de 9:00 a 12:00.

Seminario de Marco Carniti en el Teatro dei Documenti, Via Nicola Zabaglia 42: miércoles 29 de abril de 13:00 a 17:00.

El taller Geometría del Sueño invita a los estudiantes de escenografía, pero también de otros cursos, a explorar la relación entre la realidad y la dimensión onírica a través de la construcción del espacio-ambiente o del espacio escénico.
El recorrido parte de la observación de lo real para transformarlo, a través de un proceso de abstracciones geométricas, postulados de la teoría de la multifocalidad perspectivista, en relación con los espectáculos representados en Italia. En este sentido, aplicaremos una metodología mediante la cual será posible analizar los parámetros de percepción de la imagen en perspectiva: la restitución en perspectiva, derivada de los bocetos escenográficos de cada uno de sus espectáculos realizados tanto en Italia como en Francia. Por lo tanto, nos basaremos en los textos de escenotécnica para identificar la relación entre la arquitectura teatral y la arquitectura escenográfica, examinando tres espectáculos peculiares: «Vida de Galileo» (1963) de Bertolt Brecht, «Las riñas de Chioggia» (1964) de Carlo Goldoni y «El jardín de los cerezos» (1974). Además, estableceremos un paralelismo entre este último espectáculo mencionado y «Le cochon noir» de 1973, dirigido por Roger Planchon, además de analizar sus proyectos de arquitectura teatral, como el Nuovo Teatro de Trieste y el Teatro dei Documenti de Roma. El método propuesto integra herramientas técnicas como el boceto y la maqueta con procesos imaginativos que permiten repensar el espacio como un organismo vivo y cambiante. El taller se basa en tres referencias fundamentales de la historia de la escenografía moderna y contemporánea: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig y Luciano Damiani. Appia, con su concepción de la luz como elemento plástico y de los volúmenes como arquitecturas de la acción, inauguró una nueva forma de pensar la escena. Craig, en cambio, introdujo la abstracción escénica, las formas puras y la reducción del detalle naturalista en favor de una visión simbólica y poética. Por último, Luciano Damiani, heredero innovador de esta tradición, introdujo en Italia una escenografía esencial y, al mismo tiempo, profundamente evocadora, capaz de transformar el espacio a través de pocos elementos de altísimo valor expresivo; su investigación sobre la luz, los materiales y la relación con la dirección constituye hoy una referencia imprescindible para el uso del espacio como lugar dramatúrgico. Estas tres aportaciones orientan el proceso de transformación que los estudiantes afrontarán en el taller, entre el rigor formal, la imaginación y la poesía del espacio.

El programa del taller también incluye un momento de diálogo con el director Marco Carniti, cuya visión escénica ofrecerá a los estudiantes una perspectiva contemporánea sobre la construcción del imaginario teatral. El debate partirá de su obra más reciente, «Prima della Tempesta – Omaggio a Luciano Damiani e a Giorgio Strehler», un espectáculo que ofrece un retrato humano, poético y formativo de los artistas de la Italia de la posguerra, poniendo de relieve el valor auténtico del arte más allá de las lógicas del mercado. Inspirada en los materiales preparatorios para La tempestad de Shakespeare, la obra rinde homenaje a dos figuras clave del teatro del siglo XX: el director Giorgio Strehler y el escenógrafo Luciano Damiani. Prima della Tempesta se configura como una explosión de poesía capaz de involucrar profundamente al espectador, incluso a quien nunca haya puesto un pie en un teatro. Durante la representación, la actriz Antonella Civale da vida al papel casi olvidado del apuntador, observador oculto de las maravillas escénicas, como si escrutara el escenario a través del pequeño ojo de una cerradura.

El taller llevará a los estudiantes a una observación directa de un entorno real a través de mediciones, fotografías, dibujos y diseño gráfico y digital. Descomposición del espacio en formas esenciales y construcción del «atlas geométrico» mediante la teoría de las abstracciones geométricas de Luciano Damiani, aplicada a sus espectáculos. También se hará referencia a Appia y Craig para comprender cómo la escena o el entorno pueden destilar lo real en estructuras puras y significativas.

Cuerpo y acción performativa

Miércoles 22 de abril de 9:00 a 14:00, aula 305
Jueves, 23 de abril, de 12:00 a 16:00, aula 8/B Campo Boario
Miércoles, 29 de abril, de 9:00 a 14:00, aula 305
Jueves 30 de abril de 12:00 a 16:00, aula 8/B Campo Boario
Martes 16 de junio Performance colectiva – El lugar y la hora se comunicarán el 30 de abril

Para inscribirse: L.ciotti@abaroma.it Especificar en el asunto: Taller Paola Ricci

Nota explicativa del taller

Me pregunto: «¿QUÉ ES UNA PERFORMANCE?».
Tal vez vuestro cuerpo pueda dar varias respuestas.
¿Serán diferentes de lo que veremos de algunos artistas que hacen «performance»?
Tal vez al final no descubráis nada seguro, pero sí algo que será vuestro devenir.
«A veces, hacer algo no conduce a nada» podría ser nuestra paradoja y descubrir que el cuerpo está lleno de sorpresas y dudas. La incertidumbre es un arte y cada miembro de vuestro cuerpo dice cosas diferentes; tal vez descubramos juntos que la energía de vuestro cuerpo desprende aspectos que hay que saber escuchar.
Cada umbral que se cruza deja algo atrás, que llega a transformaros, y al traspasar este límite se encontrará vuestra sacralidad.

El taller está abierto a las estudiantes del Departamento de Artes Visuales y Nuevas Tecnologías del Arte.
Máximo 30 inscripciones.
Las estudiantes que deseen asistir a las cinco sesiones deberán acudir con ropa cómoda, completamente de color negro y sin ninguna marca ni elemento visible. Traer una máscara blanca de papel o plástico.
Llevar un pañuelo de algodón ligero, blanco o negro, mejor si es de ambos colores, sin ningún tipo de inscripción o decoración. Llevar un cuaderno blanco sin cuadrícula ni líneas, así como lápices de colores y de grafito.

 

Entre la resistencia analógica y la cultura digital

Taller compuesto por 6 encuentros y 1 taller

Los encuentros
Tras los talleres celebrados en los últimos años y dedicados a los directores y directoras de videoclips y a los animadores y animadoras italianos, este tercer ciclo está dedicado a los cineastas experimentales y a los videoartistas que, desde finales de los años 70 hasta hoy, han innovado el medio cinético mediante un trabajo minucioso sobre el dispositivo, ya sea electrónico (como el «videoloop» de Sambin, que marca una fase primigenia de la experimentación) o analógico (el Super 8 en el caso de Arcangelo Mazzoleni, el 16 mm en sus distintas fases de proceso por parte del dúo Doria-Guadagnuolo, el 35 mm adoptado por di Martino).

En el centro de los seis encuentros habrá, sobre todo, una reflexión histórico-estética sobre las prácticas más diversas, desde las artesanales relacionadas con la película hasta las digitales de carácter postproductivo. Prácticas creativas que, en varios casos, no se excluyen como consecuencia de una elección por parte de los autores, sino que coexisten, según una lógica que puede ser, en cada ocasión, de «remediación», reelaboración o replanteamiento de las imágenes.

Entre los temas tratados estará la relación entre la imagen estática (fotográfica) y en movimiento (vídeo), que atraviesa, por ejemplo, la obra de Antonello Matarazzo; la mezcla entre documental, narración y experimentación; la creación de instalaciones multicanal que implican una redefinición del propio espacio de disfrute por parte del espectador, también según lógicas inmersivas e interactivas vinculadas al uso de la máquina o de la IA (como en el caso de Francesca Fini).

Durante los encuentros, los autores mostrarán una selección de sus obras audiovisuales.

El taller
Inmediatamente después de los encuentros matutinos con los artistas, los cineastas impartirán un taller que examinará aspectos técnicos, utilizando el Super 8, el 16 mm, la cinta de vídeo y el formato digital, y en el que se realizarán algunas películas de «found-footage» a partir de materiales preexistentes. El acceso estará limitado a un máximo de 20 personas por motivos de espacio y para permitir que la actividad se desarrolle de la mejor manera posible. El taller estará supervisado por el prof. Giancarlo Torri.

El taller y el laboratorio están relacionados con el proyecto de producción artística e investigación para el curso académico 2025-2026 titulado DATAVERSI y dedicado al tema del archivo, articulado en todas sus facetas y en los distintos ámbitos expresivos y de la comunicación (desde las imágenes en movimiento hasta la web y las artes visuales). En este sentido, se pedirá a todos los autores que, durante los encuentros, se detengan en su relación con el concepto de archivo, así como en las diferentes formas de apropiación y reelaboración de las imágenes preexistentes.

Cada encuentro tendrá una duración de 4 horas.
A los estudiantes que asistan a todo el ciclo se les reconocerá 1 CFA.

El taller tendrá una duración de 4 horas.
A los estudiantes que asistan al taller se les reconocerá 1 CFA adicional.

Primer encuentro – 21 de marzo
Arcangelo Mazzoleni

Segundo encuentro – 11 de abril
Michele Sambin

Tercer encuentro – 18 de abril
Rä di Martino

Cuarto encuentro – 9 de mayo
Rä di Martino

Quinto encuentro – 16 de mayo
Salvatore Insana

Sexto encuentro – 23 de mayo
Francesca Fini

 

BIOGRAFÍAS DE LOS AUTORES
Rä di Martino nació en Roma en 1975 y ha vivido en Londres desde 1997, donde cursó un máster en la Slade School of Art. En 2005 se trasladó a Nueva York, inicialmente con el Premio Nueva York. Trabaja principalmente como artista visual centrada en el lenguaje del cine/vídeo y la fotografía, y ha participado en numerosas exposiciones en Italia y en el extranjero en instituciones como el PS1 de Nueva York, el Palazzo Grassi, la Fondazione Sandretto, el MACRO de Roma, el Mart de Rovereto, HANGARBicocca, el Montevideo Netherlands Media Arts, el Museum of Contemporary Arts de Chicago, el Bronx Museum y Artists Space NY, así como en exposiciones como la Bienal de Busan, la Trienal de Turín y Manifesta. Además, ha participado en numerosos festivales internacionales de cine, entre ellos el Festival de Cine de Locarno, el Festival de Cine de Turín, el Festival de Cine Impakt de los Países Bajos, Les Urbaines de Lausana, la Kunstifilmbiennale del Viper (Basilea), la Transmediale de Berlín, el Festival de Cine Underground de Nueva York, Vila do Conde, Les Recontres de París/Madrid/Berlín y el Kassel Video & Doc Festival. En 2011 se publicó su primer catálogo monográfico.

Tiziano Doria y Samira Guadagnuolo Su actividad, desarrollada bajo el nombre de la productora que fundaron, Warshadfilm, se basa en prácticas vinculadas a los procesos de la fotografía analógica y del cine en celuloide. Esto está íntimamente ligado a la búsqueda de una forma y un lenguaje que encuentran, en los procesos y en las posibilidades técnicas de las herramientas utilizadas, una correspondencia conceptual y poética. Reviste gran importancia la reciprocidad entre imagen y palabra y la búsqueda de un isomorfismo entre lo visual y lo sonoro. Han realizado varias instalaciones cinematográficas, cortometrajes y colecciones fotográficas, y también han trabajado con archivos fotográficos y cinematográficos. Han sido invitados a varios festivales internacionales de cine como, entre otros, el Festival de Cine de Locarno y el Festival de Cine de Turín. Entre sus películas se encuentran: La zita, L’albume d’oro y Festa nuziale.

Francesca Fini (Roma, 1970) es una artista interdisciplinar que desde hace años se mueve por ese territorio fronterizo donde las artes visuales se hibridan, generando una nueva síntesis precisamente en el lenguaje performativo contemporáneo. Ha realizado numerosas obras audiovisuales (animaciones, documentales y videoperformances), entre ellas: Immortali (2006), The Mirror (2010), Blood (2011), Virus (2011), A Love Letter (2015), Dadaloop (2015) y Gold/looking for Oz (2016). A lo largo de los años, la artista ha realizado «performances» y expuesto su obra en el MACRO de Roma, en el Manege Museum de San Petersburgo, en el Schusev State Museum of Architecture de Moscú, en las Tese dell’Arsenale de Venecia, en Toronto para el FADO Performance Art Festival, en Chicago para el Rapid Pulse Festival, en Belo Horizonte para el FAD Festival De Arte Digital, en São Paulo y en Río para el FILE Electronic Language International Festival, en Madrid para el IVHAM y el Proyector Festival, en Bombay para el Kala Ghoda y en Tokio para el Japan Media Arts Festival. En 2014 y 2016, Bob Wilson la seleccionó para participar en la residencia artística del Watermill Center de Nueva York y, posteriormente, fue invitada a la Trienal de Milán para un evento del Watermill en el Illy Art Lab. En febrero de 2016, tras un año de trabajo, completó el largometraje experimental Ofelia non annega. Desde hace muchos años se ocupa de la inteligencia artificial en todas sus formas.

Antonello Matarazzo (Avellino, 1962) es pintor, director y videoartista. Su trabajo se inscribe en la tendencia más reciente («medialismo»), entendida como la integración de los distintos medios (fotografía, pintura, vídeo, etc.). Desde 2000, fecha de su primer cortometraje, The Fable (18.º Festival de Cine de Bellaria), sus vídeos han sido acogidos por numerosos festivales de cine italianos e internacionales (Festival de Cine de Venecia, Festival Cinéma Méditerranéen de Montpellier, Clermont-Ferrand, Festival de Cine de Turín, Festival des Cinémas Différents de París, Invideo, Locarno, etc.), algunos de los cuales, como la Muestra Internacional del Nuevo Cine de Pesaro, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y Signes de Nuit de París, han dedicado retrospectivas a su obra. El núcleo de su investigación se basa en la ambigüedad entre la imagen fija y el movimiento, a menudo confiriendo micromovimientos a las imágenes fotográficas mediante técnicas de «morphing» y «warping», pero el nexo de unión entre la pintura, el vídeo y las videoinstalaciones es su marcada tendencia a explorar aspectos introspectivos y antropológicos.

Arcangelo Mazzoleni (Catania, 29 de junio de 1953) es cineasta-fotógrafo, ensayista, poeta y autor teatral. Licenciado en Literatura Moderna y Contemporánea por la Universidad La Sapienza y diplomado en Dirección y Guion por el CSC, trabaja bajo el signo del arte total creando una obra multidisciplinar en la que los distintos géneros se interpenetran. En 1994, el Istituto Nazionale per la Grafica-Calcografia, con el patrocinio del Ministerio de Patrimonio Cultural y Medioambiental, le dedicó la exposición antológica Arcangelo Mazzoleni: Il mondo al fuoco dello sguardo. Películas, fotografías, vídeos, dibujos y técnicas mixtas sobre papel. Imparte clases de lenguajes cinematográficos en la Universidad de Roma Tor Vergata, en el ACT Multimedia de Cinecittà Holding y de escritura creativa en los cursos de formación para guionistas de la Rai. En 2012 abrió en la Casa del Cinema la Escuela de Alta Formación para Guionistas de Cine y Televisión, de la que es, junto con Mariella Buscemi, director y docente. Paralelamente, trabaja como director de programas culturales (Rai Tre, Rai Storia, Rai Educational, etc.). Desarrolla una intensa actividad como escritor cinematográfico, con estudios sobre el lenguaje (El movimiento de la cámara. Estética técnica y lenguaje del encuadre variable, 2004) y sobre las relaciones entre las artes visuales, la literatura y los movimientos cinematográficos: Avanguardia sovietica, 2010. Sus películas han pasado a formar parte de las colecciones de arte del Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) de la Bienal de Venecia y de la Calcografia Nazionale de Roma.

Michele Sambin (Padua, 1951). Cineasta, músico, pintor, escultor, hombre de teatro y pionero de la experimentación en vídeo, siempre ha llevado a cabo una investigación que pone en el centro la relación entre imagen y sonido, investigando sus formas con la ayuda de diversos medios expresivos y técnicos: el cine. Entre 1968 y 1977 realiza algunas películas experimentales con las que participa en encuentros internacionales (Filmstudio, Knokke-Heist, La Rochelle y Beaubourg), entre ellas «Blud’acqua» (1972) y «Film a strisce» (1976). A partir de 1974, la cinta de vídeo se convierte en la principal herramienta con la que realiza «performances», a menudo musicales, instalaciones y cintas, innovando el dispositivo del «videoloop» y reflexionando sobre el carácter efímero de la imagen electrónica. Entre sus obras se encuentran: Autoritratto per quattro camere (1977), Looking for Listening (1977), Il tempo consuma (1979) y Anche le mani invecchiano (1979). En 1980, junto con Pierangela Allegro y Laurent Dupont, funda el TAM teatromusica, del que se encarga de la dirección, las escenas y la música. Sambin también trabajó durante muchos años con los reclusos de la cárcel de Padua. En 2021, el Museo Castromediano de Lecce le dedicó una amplia exposición individual en la que Sambin volvió a presentar algunas obras antiguas y más recientes, junto a las cuales reelaboró y actualizó algunas de sus obras históricas, como «Il tempo consuma». Vive desde hace muchos años en la campiña del Salento.

En 2011, Salvatore Insana creó con Elisa Turco Liveri el colectivo Dehors/Audela, que produce –en un constante intento por superar géneros, lugares e instrumentos «designados»– obras teatrales, proyectos de investigación audiovisual, instalaciones urbanas y talleres experimentales. Al llevar a cabo su investigación entre las artes visuales, las artes escénicas y otras formas de revisión y erosión del imaginario, ha colaborado con numerosos músicos y artistas sonoros (entre ellos, Simone Pappalardo, Fabio Cifariello Ciardi, Giulia Vismara y Jacob Kirkegaard). Sus obras se han presentado en numerosos festivales y eventos expositivos multidisciplinares en Italia y en el extranjero (FabbricaEuropa, KilowattFestival, TeatriDiVetro, MediaArtFestival, LugoContemporanea, Traverse-Video, Vafa Macao, Ivhm Madrid, Image contre Nature, Niff – Naoussa, Seeing Sound, Videholica, 9hundred project, Current Santa Fe, Fiva Buenos Aires, WestVirginiaShortFilmFestival, Festival des Cinémas Différents de París, AsoloArtFilmFestival, LuccaFilmFestival, Avvistamenti, Magmart, Fonlad, PesaroFilmFestival, Festival de la Imagen). Salvatore Insana es uno de los autores invitados a formar parte del proyecto 100X100=900 (100 videoartist to tell a century), y forma parte del catálogo de Visual Container, plataforma italiana de videoarte, de P’Silo, videoteca del festival Image contre Nature (Marsella), del catálogo del Collectif Jeune Cinema (París), de Arte Alter Collection, colección en línea de KaosArt, Avilés, España, y de Tao-Films, plataforma a la carta comisariada por Nadin Mai.

3 – 17 – 31 de marzo
14-28 de abril
5 de mayo

El objetivo del taller es ilustrar aquellos aspectos del trabajo del operador de cámara que construyen un puente entre la narración y su traducción en imágenes: entre otros, la búsqueda de la posición más eficaz de la cámara. Un «punto de vista» que tenga en cuenta las necesidades expresivas y la secuenciación de los encuadres más adecuada para describir la acción. Se ilustrarán las declinaciones más importantes del rodaje fílmico, televisivo, teatral y documental, centrándose en el aspecto coral, necesario, en la mayoría de los casos, para la realización de obras de vídeo cinematográficas. El curso tiene la ambición de involucrar a todos los estudiantes, sea cual sea su campo de interés artístico, para que comprendan la contribución que las imágenes en movimiento pueden aportar a su forma de contar. También participarán aquellos que en el futuro no realicen personalmente el rodaje, ya que un mayor conocimiento del medio técnico les permitirá comunicarse de manera más eficaz con el operador de cámara.

Taller de Linda Jasmin Mayer a cargo de Sara Basta

Una colaboración entre el Programa de Arte para la Terapia de la Academia de Bellas Artes de Roma y el Laboratorio de Arte del Macro

Durante el taller se explorará el concepto de «cuerpo colectivo» a través de un proceso creativo inspirado en los sifonóforos, organismos marinos que cuestionan las definiciones tradicionales de individuo y colectividad. Los sifonóforos pertenecen al plancton, un conjunto heterogéneo de organismos que se desplazan principalmente gracias a las corrientes oceánicas. En el taller analizaremos la cooperación, la interdependencia y la organización colaborativa como fenómenos tanto biológicos como artísticos.
El grupo de participantes construirá y se pondrá simultáneamente una extensión escultórica inspirada en la estructura modular de los sifonóforos, lo que lo transformará en un único cuerpo. La escultura se realizará con materiales ligeros y translúcidos, como la seda y tejidos transparentes, combinados con una estructura flexible que permita movimientos fluidos y adaptables. La elección de los materiales evoca la naturaleza móvil y ligera del plancton y de los sifonóforos, enfatizando la idea de una forma que cambia y se adapta al entorno circundante.

Horarios y sedes:
2 de marzo Academia Aula de talleres (fienili): de 10:00 a 16:00 h
3 y 4 de marzo, Museo Macro: de 10:00 a 16:00
5 de marzo Museo Macro: 14:00-18:00

Para información e inscripciones:
s.basta@abaroma.it